La Asunción de María según la tradición de la Igledia Católica,ya que no existen relatos que atestiguen este hecho, nos enseña que después de que la madre de Jesús muriera, ella fue resucitada, glorificada, y llevada físicamente al cielo.La doctrina de la asunción de María tuvo sus inicios en el Imperio Bizantino alrededor del siglo VI. Una festividad anual en honor de María, creció gradualmente hasta convertirse en una conmemoración de la muerte de María, llamada la Fiesta de la “Dormición”.
En imagen vemos La Muerte de la Virgen de Mantegna. Poco que comentar de esta pintura renacentista, vemos la obsesión por conseguir perspectiva. Para ello usa el suelo, pero sin duda con lo que consigue una mayor profundidad es con la ventana del fondo.
Al extenderse la práctica por el occidente, se hizo un énfasis en la resurrección de María, y la glorificación tanto de su alma como de su cuerpo, y así el nombre de la festividad fue entonces cambiado al de la Asunción. Aún es celebrado el 15 de agosto, como lo fue en la Edad Media. La Asunción de María fue hecho un dogma oficial de la Iglesia Católica Romana en 1950 por el Papa Pío XII. La Virgen antes de ascender a los cielos entro en un profundo sueño, y a este sueño se le denomina "la muerte de la Virgen". Este sueño o muerte de la Virgen los vemos reflejado en la siguiente obra:
Las figuras casi tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la figura de la Virgen María, representada de manera muy parecida a una mujer del pueblo, sin atributos místicos, evidenciándose su santidad sólo en el halo.La María de Caravaggio sí está muerta; sus pies, hinchados.
Según documentos del propio autor podemos saber que la modelo que hace de Virgen María fue el cadáver de una prostituta ahogada en el río. No hay una nube de querubines llevándola al cielo como hizo una década antes Carracci, obra que analizaremos posteriormente.
Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las manos.
Los Apóstoles, a su alrededor, también se muestran entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente emotivas, sino ocultando los rostros. El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro, y el que se arrodilla, a su lado, quizá sea Juan el Evangelista.
Imagen de María Magdalena en un primer plano y en un segundo plano aparece la Virgen María. A mí personalmente un detalle que me ha llamado la atención de La Muerte de la Virgen de Caravaggio ha sido un atrevimiento a la hora de representa a la Virgen. Si apreciamos el corpiño de la Virgen María, Caravaggio se ha atrevido a representarlo algo desabrochado. Quizás este sea uno de los motivos por los que el cuadro no fuese aceptado por el Papa.
La escena transcurre en un ambiente humilde. Los colores son muy oscuros, con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran telón rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual en un cuadro fúnebre.Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su tratamiento es naturalista, incluso brutal y de gran crudeza, lo que motivó su rechazo.
Se trata de una obra trascendental dentro de la historia de la pintura. El tema sagrado se ha despojado de todo manierismo e irrealidad. Los personajes se representan según modelos del natural, personas del pueblo, y se iluminan de manera tenebrista. Representa de manera realista el dolor de la pérdida de un ser querido.
Pues realizado un breve resumen acerca de la Asunción de la Virgen, nos dirigimos a analizar la presencia de este dogma de fe en la pintura.La primera obra que tendremos en cuenta ser la Asunción de la Virgen de El Greco
Se establece una composición piramidal entre los dos grupos de apóstoles y la Virgen, para lo que la ha resaltado en la composición disminuyendo la importancia de los ángeles. Hay una tendencia al horror vacui: incluir el máximo número de figuras y los mínimos elementos ambientales.Además una cosa que me llama la atención es la gran importancia que El Greco da a los gestos y actitudes.
La Segunda obra para analizar será La Asunción de la Virgen de Murillo
Ejecutó lienzos de altar para conventos e iglesias de diversas órdenes monásticas en Sevilla. Sus personajes se caracterizan por una gran dulzura, acentuada por una pincelada suave y fácil y una luz dorada que los envuelve. Como pintor de escenas de género, plasmó con gran maestría y emotividad el mundo de la novela picaresca de la época.
Las características citadas anteriormente se aprecian a la perfección en esta obra.Una gran nube de querubines portan a la Santísima Virgen María. Sin duda estos ángeles irradian dulzura en su rostro, uno característica de la pintura de Murillo.
La Virgen se nos representa con un rostro bello y joven, envuelta entre nubes. Aunque Murrillo no es un pintor muy tenebrista podemos observar en esta obra el gran juego de los claroscuros. En la parte derecha del cuadro podemos apreciar tonos negros, que chocan con el blanco de los ropajes que cubren el cuerpo de María.
En imagen vemos un boceto de la Asunción de María de Murillo en pluma y tintas marrones. Como podemos apreciar sufrió ciertas modificaciones la primera idea de Murillo y el resultado final.
La tercera obra que tendremos en cuenta será La Asunción de la Virgen de Tintoretto
En La Asunción de Tintoretto existen numerosas figuras en posturas escorzadas pero no renuncia al interés por la luz y el color típicamente venecianos. Así surge esta bella composición destinada a la iglesia de la Asunción de Venecia, inspirada en la que Tiziano pintó entre 1516 y 1518 para la iglesia de Santa María Gloriosa dei Frari,obra que comentaremos en este mismo artículo.Es cierto que Tintoretto aporta su toque personal.
Las figuras de los apóstoles adoptan posturas más variadas y escorzadas que las de Tiziano mientras que una numerosa corte de ángeles y querubines portan a la Virgen María hacia el cielo entre nubes, repitiendo las dinámicas posturas de la zona terrenal.
El contraste lumínico entre ambas zonas también es acentuado al iluminar a los apóstoles y situar en una zona ensombrecida a la Virgen y su corte, conjuntos que se enlazan a través de las miradas y de las cabezas de querubines interpuestas entre el sarcófago y la Madre de Dios.
Para inspirarse en la elaboración de estas figuras, tan escorzadas, y esos juegos lumínicos Tintoretto utilizaba un teatrillo donde colgaba figuras de arcilla, distribuyendo las luces con una antorcha, obteniendo un resultado digno de elogio. A los colores tradicionales de la Escuela añade algunos tonos manieristas como el amarillo mientras que consigue avanzar, si cabe, en la representación de la atmósfera, creando un sensacional efecto ambiental, uno de los puntos de partida de Velázquez, quien admiró la pintura de Tintoretto durante sus viajes a Italia, adquiriendo obras para el rey Felipe IV que hoy se guardan en el Museo del Prado.
Pido disculpas por la mala calidad de las imágenes de la obra de la Asunción de Tintoretto, pero me ha sido totalmente imposible encontrar otras.
La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres capas. En la inferior están representados los Apóstoles, con los brazos alzados hacia el cielo, con la excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos y Dios, en pie sobre una nube y está rodeada de querubines celebrando el momento.Junto a Dios, que la está esperando, hay otro querubín sosteniendo la corona de la Gloria Santa. En este cuadro se nota la influencia de Miguel Ángelen la figura de Dios Padre, y la de Rafael Sanzio en la composición piramidal.
Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito.
Los personajes están representados en movimiento, con posiciones distintas: de frente (como la figura de la Virgen María o Dios Padre), de espaldas (como cualquier apóstol ubicado en el primer plano) o en escorzo (como el apóstol con barba que tiene las manos en actitud de oración) .
La Quinta obra a analizar serán Los frescos de la Asunción de la Virgen de la Catedral de Parma de Correggio
El fresco representa el momento de la asunción de la virgen, esto es, la subida al cielo, en cuerpo y alma, de la madre de Jesús. En los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas, están representados los santos patronos de la ciudad: San Juan Bautista con el cordero, san Hilario con un mantón amarillo, santo Tomás junto al que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única figura que mira hacia arriba.
La composición no gira en torno a un eje central, como en el clasicismo, sino que está descentrada, «desestructurada», al modo que sería habitual en el barroco.A los pies de Jesucristo, la Virgen vestida de rojo y azul es alzada al cielo por un grupo de ángeles. Alrededor de la base del anillo, entre las ventanas, está el corro de los apóstoles. Sin duda lo que a mi me a llamado mas la atención de este fresco a sido la cara de los querubines que portan a la Virgen María. Su autor los ha realizado con tal perfección que se asemejan a un bebe humano. Y sin duda otra gran característica de estos frescos es la expresividad de los rostros, apreciable por ejemplo en el angel ubicado junto al pie de María.
Analizadas detenidamente las que yo personalmente considero mas representativas o más conocidas os voy a dejar la Asunción vista por otros autores a ver que os parece:
Asunción de Francisco Bayeu y Subías, ubicada en el Museo del Louvre.
Asunción de la Virgen según Rubens
Asunción de la Virgen según Valdés Leal
La Asunción de la Virgen de Gil Mena
La Asunción de la Virgen de Diego Diéz.
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